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Le Concile de Trente (1545-1563), au cours duquel l’Église catholique romaine doit répondre à des questions de réforme interne, soulevées tant par les protestants que par ses propres membres, encourage la création artistique, comme support de dévotion mais également comme outil d'enseignement. Les œuvres doivent illustrer la doctrine sans la trahir. Et l'utilité des représentations imagées pour une masse peu instruite est reconnue.
C’est pourquoi l’art baroque s’est concentré sur les saints, la Vierge Marie et d’autres épisodes bien connus de la Bible. Cette conception populiste du rôle de l'art sacré est vue par beaucoup d’historiens d’art comme l’un des éléments ayant conduit aux innovations de Caravage et des frères Carracci qui officiaient (et se faisaient concurrence pour obtenir des commissions) à Rome vers 1600.
Cependant, bien que la peinture religieuse, la peinture d'histoire, les allégories et les portraits étaient encore considérés comme les sujets les plus nobles, le paysage et les scènes de genre étaient également très répandues.
L’art baroque est caractérisé par grand drame, riches, couleur profonde, et ombres de lumière et foncées intenses. Par opposition à la peinture de la Renaissance, qui a habituellement montré le moment avant qu'un événement ait eu lieu, les artistes baroques ont choisi le point le plus dramatique, le moment où l'action se produisait. L’art baroque est réputé pour évoquer l’émotion et la passion et non la rationalité et le calme qui se dégage de la peinture de la Renaissance.
Au niveau de la composition picturale, la peinture baroque se caractérise tout d'abord par l'utilisation de nombreuses couleurs chaudes et vives qui vont du rose au blanc en passant par le bleu. Ensuite, les contrastes sont très présents, avec des jeux de lumière et d'ombre qui peuvent être utilisés, par exemple, pour mettre en avant la masse musculaire de l’homme. Pour s’opposer à la Renaissance, qui a un éclairage de la toile uniforme, l’éclairage de la toile baroque se fait par taches. Cette technique attire notre attention sur certaines zones et en laisse d’autres dans la pénombre (utilisation du clair-obscur).
Toujours dans un esprit de contradiction avec la Renaissance, la toile baroque donne des expressions faciales aux personnages présents sur la toile pour faire passer des sentiments. Elle représente aussi principalement une asymétrie (l’action de la toile n’est pas spécialement au centre). Les lignes de force de la toile ne sont plus uniquement horizontales ou verticales mais également obliques ou courbes, ce qui a pour effet de donner une position instable aux personnages et une impression de mouvement. Les personnages se semblent d'être en mouvement qui est exprimé par une profusion de vêtements soulevés ou agités par le vent(vêtements en référence à l’antiquité ou bien disposés comme des rideaux pour faire une théâtralisation de la scène).
Le baroque s’oppose donc par divers critères à la Renaissance car c’est une période de rupture qui veut représenter le changement. Les œuvres baroques se différencient par leur intérêt du changement, le mouvement, l’instabilité des choses. C’est pour cela que le mouvement a une place très importante dans la peinture baroque.
Les peintres baroques abordent généralement des thèmes artistiques tirés des légendes et contes bibliques ou mythologiques.